Guida: 20 consigli per migliorare i video di vela girati da soli

Mike Peuker, 58 anni, pilota e noleggiatore di barche nella vita precedente ( www.klassiker-segeln.de ), gestisce uno dei pochi canali YouTube di vela privati e in lingua tedesca di successo, con oltre 3.000 iscritti. Alcuni dei suoi filmati, in cui racconta principalmente le proprie gite in barca, i lavori legati alle barche o la scena delle barche classiche, sono stati cliccati ben oltre 20.000 volte; la sua pagina YouTube è già stata vista ben mezzo milione di volte negli ultimi anni. www.youtube.com/mikepeuker

Qui Peuker spiega come affrontare il tema dei video sulla vela e come chiunque possa creare video accattivanti con poco sforzo.

Il contenuto del video

Come deve essere il video di vela ideale? Naturalmente non esiste una risposta universale a questa domanda, poiché dipende da molti fattori. Forse il più importante è: chi deve essere il pubblico - donne, uomini, anziani, giovani, professionisti o velisti amatoriali? E si dovrebbe produrre un video didattico, un diario di viaggio, un manuale tecnico o qualcosa di completamente diverso? Le persone sono al centro dell'azione o gli spettatori devono poter prendere parte a grandi scenari e a spettacolari azioni di navigazione? L'attenzione è rivolta ai dettagli tecnici o al mondo esterno?

La mia raccomandazione è chiarissima su questo punto: un video deve essere coerentemente progettato nel modo in cui vorreste voi stessi. Le considerazioni affannose su quali argomenti possano raggiungere il massimo numero di spettatori raramente portano al successo.

Tuttavia, è opportuno guardare i video di altri canali di vela e trarne ispirazione. Si può anche copiare una volta per esercitarsi. Con il tempo e con sempre più materiale pubblicato, si svilupperà comunque uno stile cinematografico individuale.

1. iniziare in piccolo

Soprattutto all'inizio, quando tutto non è ancora perfetto, è consigliabile produrre video brevi. È più facile rendere emozionanti dieci minuti che un film epico di due ore e mezza. Quindi non iniziate subito con un filmato cinematografico!

2. una sceneggiatura

Ogni film ha bisogno di una storia da raccontare. La cosa migliore è cominciare a dare al film un titolo significativo. Dovreste sempre ricordarvelo quando vi rendete conto che state andando fuori strada in termini di contenuti o rischiate di perdervi nei dettagli. Inoltre, gli spettatori sono grati se sanno cosa aspettarsi fin dall'inizio. L'ideale sarebbe accompagnarli in un viaggio virtuale.

Partire e filmare semplicemente ogni genere di cose senza un piano, nella convinzione di poter poi mettere insieme un film con una trama forte, raramente porta al successo. Prima di tutto, la storia deve essere nella vostra testa o anche in parole chiave su carta, poi potrete catturare le immagini con la telecamera.

3. più dramma!

Senza un arco di suspense che tenga il pubblico sul filo del rasoio, il film non funziona particolarmente bene. Se la polvere migliore è già stata sparata all'inizio e il film diventa sempre più debole, nessuno lo guarderà fino alla fine. Dopotutto, la "scena del crimine" finisce quando l'assassino viene smascherato, e di solito questo non avviene mai prima del minuto 85.

Naturalmente, non tutti hanno la possibilità di filmare durante un viaggio quando le onde sono alte o addirittura durante una tempesta. Anche l'albero non si rompe sempre, e non si può nemmeno prevedere un motore in avaria. Non è necessario che sia così. La suspense può essere facilmente creata attraverso riprese del paesaggio sempre più sorprendenti, cambi di velocità, nuove persone che si uniscono alla barca e molto altro ancora.

4. Autenticità

Se non vi dispiace, potete mostrarvi mentre navigate e, soprattutto, parlate. Gli spettatori lo adorano! YouTube è un formato che non si limita a raccontare una storia. È anche e spesso ancora di più sui protagonisti stessi. Si impara a conoscerli in qualche modo e di tanto in tanto ci si informa su "Peter" o "Matti". Anche se l'argomento del video in corso non corrisponde al cento per cento ai vostri interessi. Quindi è meglio continuare a inserire nel filmato sequenze della propria vita quotidiana a bordo, reale e non recitata. È interessante e fornisce ulteriore autenticità.

5. riempimento del vuoto

I principianti spesso non riescono a produrre abbastanza materiale di riempimento oltre alle scene vere e proprie. Nel cinema, questo materiale è chiamato B-roll. Può trattarsi di panoramiche di paesaggi, riprese di dettagli, riprese al rallentatore di onde e molto altro. Vale anche la pena di raccogliere i suoni originali: Le grida dei gabbiani, il rumore del mare, le vele che sferzano il vento, le onde di prua sullo scafo, le drizze che colpiscono l'albero, lo scricchiolio delle assi del pavimento in una nave che ondeggia: non ci sono limiti alla vostra immaginazione. Questo materiale viene inserito nel vostro archivio sonoro personale, al quale potrete accedere in qualsiasi momento.

6. spesso accade l'imprevisto

Una macchina fotografica pronta a scattare dovrebbe essere sempre a portata di mano, anche se si tratta del cellulare. Alla fine, non è così raro che siano le immagini inaspettate ad aggiungere il giusto pepe a un film.

Il delfino a Svendborgsund, problemi tecnici, contrattempi, maltempo. Se non succede nulla, è noioso. Ma quando succede qualcosa di spettacolare e la telecamera non è a portata di mano, la noia rimane!

7. non solo a lato

La produzione di un video richiede più tempo di quanto si pensi inizialmente. Se si viaggia con una troupe, le lunghe riprese possono talvolta portare a incongruenze. Ecco un altro esempio: una manovra di casting ben filmata e divertente, che in circostanze normali richiede solo due o tre minuti, può facilmente richiedere un'ora o più con la giusta preparazione.

Le telecamere devono essere configurate e installate; più prospettive ci sono, meglio è. Il suono deve essere impostato e testato. Una telecamera può essere lasciata sul molo e deve essere recuperata dopo le riprese. Si può anche inviare un drone in cielo per riprendere il tutto dall'alto.

Sembra un elaborato documentario della ARD, ma non è così. Al contrario. Un film divertente non attira molta attenzione, mentre uno mal fatto viene consumato al massimo dai parenti più stretti. Tutti gli altri cliccheranno senza pietà sul prossimo video migliore.

Excursus I: La narrazione

Costruire e mantenere la tensione è il punto di forza delle riprese. Nel mio video "Engine failure in Marstal", non mostro la mia partenza da Kiel nel primo fotogramma, ma piuttosto il mio fastidio per il motore in avaria a Marstal in breve. Solo allora inizia il filmato vero e proprio. Si spera che lo spettatore sia ora incuriosito e guardi fino al punto in cui apprende di più sul problema del motore. Dopodiché, si scopre che devo mollare gli ormeggi sotto vela e probabilmente attraccare a Kiel sotto vela alla fine del film. Che emozione! Forse un motivo per continuare a guardare il film. Questo è ciò che i professionisti chiamano storytelling.

La tecnologia

C'è chi gira un capolavoro con l'iPhone, chi non usa nemmeno tutte le fotocamere di fascia alta per un film mediocre. Da qui il consiglio: iniziate con quello che avete al momento. Si può sempre fare un upgrade in un secondo momento. Tuttavia, ci sono alcune cose che anche i principianti dovrebbero tenere a mente:

8. buon suono

Un microfono adeguato è un investimento che si ripaga fin dall'inizio! Nessuno può sopportare a lungo un video dominato dal rumore del vento o da un audio scadente, a prescindere dalla qualità dell'azione e delle immagini. Quando si naviga, si ha quasi sempre a che fare con il vento. Ciò che nell'industria cinematografica è noto come "gatto morto" è indispensabile: un soffice pon-pon da posizionare sopra un microfono a clip, ad esempio. In questo modo si eliminano i rumori fastidiosi del vento.

9. immagini prive di vibrazioni

Naturalmente, le immagini sfocate in combinazione con tagli veloci possono essere elementi stilistici. Immaginate un inseguimento ricco di azione su colline e pendii. Funziona per qualche secondo. Ma nessuno vuole guardarlo per minuti o addirittura per un intero film. È necessario esercitarsi a lavorare con la macchina da presa fissa senza altri ausili a mano. Un modello pesante con un'impugnatura aggiuntiva può essere un vantaggio in questo caso.

Sia gli iPhone che le fotocamere moderne sono dotate di stabilizzatori d'immagine. Inoltre, è possibile avere un'influenza limitata sulle immagini sfocate in post-produzione. Tuttavia, l'obiettivo dovrebbe essere sempre quello di mantenere la fotocamera il più stabile possibile. Più ampio è l'angolo dell'obiettivo, più è facile. Naturalmente, è possibile posizionare la fotocamera su un treppiede o avvitarla a qualcosa a bordo. Questo è utile di tanto in tanto. Tuttavia, queste immagini da sole sembrerebbero molto statiche. Una pellicola vive anche grazie al fatto che la fotocamera è in movimento.

10. giocare con la messa a fuoco e la luce

Quasi tutte le fotocamere offrono la possibilità di abbandonare la modalità automatica e di effettuare tutte le impostazioni manualmente. È esattamente quello che dovreste fare! Disattivate l'autofocus e mettete a fuoco manualmente l'area dell'immagine che volete appaia nitida in seguito. Infatti, la fotocamera non sa se il centro dell'interesse è l'albero o l'altro marinaio e quindi deve essere messo a fuoco. Alla voce di menu "Bilanciamento del bianco" si può anche specificare quanto calda o fredda debba essere la luce. Di solito ci sono simboli per sole, ombra, luce artificiale, ecc.

Infine, l'impostazione ISO regola la sensibilità del sensore. Se è impostata su "Auto", gli ambienti bui vengono improvvisamente illuminati e le scene luminose vengono oscurate. Questo può essere intenzionale o meno. È quindi essenziale passare alla modalità manuale anche in questo caso.

11. diaframmi e filtri

Per garantire che la pellicola risulti liscia in seguito, sono necessarie almeno altre due impostazioni importanti: la frequenza dei fotogrammi e la velocità dell'otturatore. Se si impostano 25 fotogrammi/secondo e 1/50sec, per ora si va sul sicuro. Per chi vuole approfondire l'argomento, vale la pena di notare quanto segue: oltre alla frequenza dei fotogrammi e all'esposizione, è disponibile anche l'apertura del diaframma. Per produrre filmati cinematografici, cioè per avere nitidezza solo sulla bussola, ad esempio, ma non più sulla barra dietro di essa, il diaframma deve essere aperto. Tuttavia, questo significa che molta luce può cadere nell'obiettivo e quindi sul sensore della telecamera. Poiché, come spiegato in precedenza, la velocità dell'otturatore è fissata a 1/50 sec, l'immagine può risultare troppo luminosa. Per correggere questo problema, la fotocamera necessita di occhiali da sole sotto forma di filtro ND variabile. Questo permette di variare la luminosità dell'immagine desiderata durante la ripresa ruotando la fotocamera. Sembra complicato, ma una volta impostato non è poi così difficile.

12. la fotocamera ottimale

Quale modello utilizzare quando si naviga? Il mercato delle telecamere è in continua evoluzione. Ciò che ieri veniva utilizzato per le produzioni cinematografiche oggi è considerato obsoleto. In questo senso, possiamo aspettarci un enorme mercato di telecamere di seconda mano. Non voglio tirare in ballo le preferenze dei marchi. Sono più importanti la navigazione nei menu, la sensazione al tatto o il fatto di possedere già obiettivi di un produttore o di un altro.

Oltre alla stabilizzazione dell'immagine (solitamente abbreviata in IS), è importante un display ribaltabile che possa essere regolato in tutte le direzioni. Soprattutto se si riprende da soli, non si può fare a meno di questo controllo visivo. Ma attenzione: se si riprende da soli, si deve guardare nell'obiettivo, non nel display! Lo spettatore sarà grato se il protagonista guarda direttamente verso di lui e non gli passa davanti tutto il tempo!

Tuttavia, non è necessario dare troppa importanza a un buon autofocus. Come già detto, è meglio spegnerlo durante le riprese. Tuttavia, può essere sensato acquistare obiettivi identici se si ha a disposizione più di una fotocamera. In questo modo la post-elaborazione è infinitamente più semplice, perché le immagini avranno lo stesso aspetto con le stesse impostazioni manuali. In questo modo, ad esempio, le scene di intervista riprese da distanze diverse possono essere semplicemente montate insieme in un secondo momento senza dover prima regolare i colori ecc.

Oltre alle telecamere tradizionali, vengono spesso utilizzate action cam e droni. Entrambi sono un must! Meno di vent'anni fa, per le riprese aeree si dovevano usare elicotteri e per le riprese subacquee si dovevano usare telecamere enormi e costose con custodie subacquee. Oggi tutto questo è possibile al costo di poche centinaia di euro.

Infine, il telefono cellulare fa ovviamente parte dell'attrezzatura fotografica. Ha l'inestimabile vantaggio di essere sempre con voi.

Excursus II: la prima scena

Un'apertura tipica di un film potrebbe, ad esempio, dire allo spettatore dove ci si trova. Un'inquadratura molto grandangolare con un'insegna della città in primo piano e il porto sullo sfondo sarebbe adatta a questo scopo. L'inquadratura successiva potrebbe essere un'inquadratura a treppiede in cui lo spettatore vi vede camminare verso il porto. Segue il percorso attraverso il molo fino alla barca e infine si riprende l'utente seduto nel pozzetto.

Il percorso dal cartello della città alla nave può ovviamente essere messo in scena in modo molto più elaborato. Ad esempio, come segue:

1. Ambientazione: una ripresa grandangolare con messa a fuoco sull'insegna della città e successivo spostamento della messa a fuoco sul porto dietro di essa, in modo che alla fine l'insegna sia sfocata e il porto sia a fuoco.
2. Ripresa: Il protagonista è visto di fronte mentre cammina verso l'insegna della città, poi di spalle mentre cammina nella sfocatura verso il porto.
3. Ambientazione: si vedono solo piedi che marciano attraverso la passerella.
4. Ripresa: Lo skipper sale sulla barca attraverso il parapetto, ripreso dal molo.
5. Ripresa: stessa scena, ma ripresa dalla nave.
6. Ambientazione: Tutti siedono nella cabina di pilotaggio.
7. Ambientazione: Primo piano dell'apertura di una bevanda.
8. Ambientazione: grandangolo, brindisi a tutti i partecipanti!

Il numero di impostazioni è praticamente illimitato. Tuttavia, ogni ripresa richiede tempo per convertire e regolare l'immagine, il suono e la luce. Il tempo diventa ancora più lungo quando la telecamera è anche in movimento, cioè quando è presente un cameraman.

Suggerimento: quando si filma, iniziare sempre qualche secondo prima dell'inquadratura effettivamente necessaria e aggiungere qualche secondo in più alla fine. Questi secondi in più di ripresa rendono la post-produzione molto più semplice in molti luoghi.

La post-elaborazione

Le riprese da sole non bastano. Dopotutto, quasi tutti ricordiamo gli insopportabilmente lunghi video delle vacanze di un tempo, che spesso diventavano una tortura per gli spettatori con le loro numerose sequenze traballanti. Oggi si può fare molto meglio con uno sforzo gestibile.

13. hardware e software

In sostanza, è necessario un computer ragionevolmente potente, altrimenti non è divertente. Non si può avere abbastanza RAM, un processore veloce e una scheda grafica veloce. La velocità dell'hardware dipende dalla risoluzione con cui si lavora. Il Full HD è sicuramente sufficiente per YouTube e simili, non stiamo producendo per il cinema. Più alta è la risoluzione (4K o addirittura 8K), più alti sono i requisiti per i supporti di archiviazione e la velocità del computer, che si riflettono uno a uno sui costi!

Quanto deve essere buono il programma di editing? Si può dire questo: quando si inizia a montare, il programma probabilmente non sarà mai il fattore limitante, ma piuttosto voi stessi. In questo senso, è un po' come per le macchine fotografiche: il funzionamento, il menu e la facilità d'uso sono più importanti della marca. Quasi tutti i produttori offrono versioni di prova dei loro programmi. Queste sono gratuite e limitate a un certo periodo di tempo. Esistono anche software di editing completamente gratuiti. È sufficiente provarli e iniziare con il programma che si ritiene più intuitivo da usare.

14. il taglio

È meglio procedere in modo strutturato: I filmati, cioè i frammenti di pellicola non tagliati presenti nelle schede di memoria delle telecamere, vengono archiviati in diverse cartelle del computer. Per un diario di viaggio, ad esempio, queste cartelle possono essere etichettate con un titolo, un luogo e una data. Vengono poi create delle sottocartelle. In queste cartelle vengono archiviate le registrazioni delle varie telecamere e le eventuali registrazioni audio aggiuntive. Non dimenticate di fare prima una copia di backup di tutto il materiale.

15. visualizzazione e ordinamento

Una volta pensata la storia, il primo passo è quello di esaminare il materiale. L'obiettivo è trovare le scene migliori. Vengono presi in considerazione criteri come il contenuto, l'espressività, la sfocatura o meno, la nitidezza e altro ancora. Le clip corrispondenti della telecamera principale vengono prima trascinate cronologicamente su una traccia del programma di montaggio. Se ci sono riprese delle stesse scene da altre prospettive, queste vengono aggiunte ai posti corrispondenti in basso. Il materiale B-roll viene sistemato di nuovo una traccia più in basso. In altre parole, tutto ciò che viene aggiunto per creare l'atmosfera, spiegare o semplicemente sottolineare ciò che viene detto e mostrato. Ad esempio, se qualcuno sta spiegando il principio di un sistema di governo del vento, non ci sono solo immagini dello skipper con il relativo suono, ma anche immagini e suoni del sistema di governo del vento.

16. nessuna lunghezza

Una volta realizzato il rough cut, segue la cosa più importante: l'accorciamento. La regola è: poco materiale ma buono è molto meglio di molto materiale mediocre. Solo il meglio del meglio resta dentro! Tagli brevi e nitidi, cambi di tempo, rallentamenti: tutto ciò che porta varietà è permesso. D'altra parte, le varie dissolvenze che la maggior parte dei programmi di editing mette a disposizione non sono affatto accettabili. Le immagini ruotano, scompaiono in una sfocatura, si disintegrano in cubi. Chi ha mai visto qualcosa del genere in un documentario televisivo? Nessuno, perché ha un aspetto poco professionale!

Non è sbagliato lavorare solo con tagli duri: La scena finisce, inizia quella successiva. Quando si cambia tema, si può lasciare un decimo di secondo di nero tra due scene come eccezione. Nelle sezioni malinconiche e lente, si può anche sfumare nella scena successiva. Tuttavia, questa dovrebbe rimanere un'eccezione.

Se ci sono passaggi che appaiono troppo statici perché sono stati ripresi da un treppiede, ad esempio, è possibile ingrandire digitalmente l'immagine in un secondo momento o addirittura simulare un tracking shot. È anche possibile stabilizzare i filmati traballanti entro certi limiti.

17 Accettazione

Se siete sicuri che tutto ciò che è superfluo è stato tagliato, fatelo visionare a qualcuno che non era presente e chiedetegli un feedback sincero. Tuttavia, non dovreste scegliere i parenti per questo scopo. Questi guarderanno il video con lo sguardo della famiglia e potrebbero chiedersi perché questo o quello non è stato mostrato. Dovreste quindi realizzare un filmato separato per i vostri cari, il director's cut.

18 Il suono fa la musica

Di solito ci sono passaggi con suoni originali, cioè voci e rumori ambientali. Tuttavia, è possibile utilizzare anche la propria libreria di suoni. Ciò è particolarmente utile se il suono originale è inutilizzabile a causa, ad esempio, dell'eccessivo rumore del vento.

I passaggi senza voce fuori campo, cioè senza commenti parlati di sottofondo o qualsiasi altro tipo di discorso, possono e devono essere resi più suggestivi con una musica adeguata. Questo diventa professionale quando si taglia a tempo: i cambiamenti di umore o di ritmo della musica possono essere utilizzati per impostare i tagli nella sequenza video proprio in questi punti.

Assicuratevi che la musica utilizzata per i video che volete pubblicare sia autorizzata a questo scopo. YouTube e molti altri portali offrono tali suoni per il download gratuito. Se si desidera utilizzare librerie musicali più ampie, è possibile prenotare modelli di abbonamento con vari fornitori.

Oltre alla musica, le singole scene possono essere arricchite con effetti sonori. Non tutto ciò che si sente in un film suonava davvero come nell'originale. Forse non c'era un tuono nella tempesta che potesse essere catturato con il microfono. Nessun problema! È possibile salvare la scena con gli effetti sonori. Su Internet è possibile scaricare innumerevoli effetti sonori, alcuni gratuiti, altri a pagamento.

Dopo tutto, il suono originale, la voce fuori campo, la musica e gli effetti sonori devono ancora essere regolati. La musica non deve affogare le voci, tutto deve essere armonizzato. Nessuno vuole regolare continuamente il livello del volume durante il film.

19. colorato e nitido

Infine, si controlla se i colori, la luminosità e la nitidezza dei singoli clip corrispondono. La parola chiave è correzione del colore. Se volete, potete anche fare il color grading. In questo modo si conferisce al film un aspetto cromatico speciale e quindi un'atmosfera propria. Se si guarda un thriller con attenzione, si noterà che i colori spesso non corrispondono alla realtà. Più caldi, più freddi, temperature di colore diverse: tutto è possibile.

20 Il tamburo della pubblicità

Un buon teaser è molto importante. È l'immagine che lo spettatore vede per prima. Se necessario, si può estrarre dal film finito. Ma è molto meglio produrre un'immagine esattamente per il suo scopo.

Anche un buon titolo che susciti curiosità è utile. Se volete presentare il vostro film a un vasto pubblico, dovreste scegliere un titolo che possa essere trovato da Google o YouTube utilizzando una ricerca per parole chiave. La descrizione più precisa possibile sotto l'immagine teaser e l'uso di hashtag comuni saranno d'aiuto. Nel caso di un video di vela, questi potrebbero essere termini come vela, charter, mari del sud danesi, crociera, tempesta, difficoltà in mare e simili. Anche i riferimenti su altre piattaforme di social media, come Facebook o Instagram, non guastano per pubblicizzare il proprio lavoro cinematografico.